Se trata de un blog de arte en el que cuento el mundo que nos rodea, la actualidad artística e intento resolver las dudas que se nos pueden presentar al contemplar cualquier obra de arte, artista o movimiento artístico. Os propongo desde un punto de vista subjetivo la realidad artística actual aunque intento dar información objetiva sobre los temas que planteo. Además incluyo vídeos, enlaces e imagenes para acompañar mis textos.
Las nuevas tecnologías han hecho que el arte adquiera una dimensión totalmente diferente. Hace unos meses nos visito en Bilbao la exposición del pintor David Hockney. Sinceramente no sabía mucho de este artista y tan solo vi su faceta de paisajista, pero tras meditar mucho sobre el tema decidí que quizá lo más interesante sea su capacidad de adaptarse a la vida moderna usando elementos tecnológicos nuevos para crear un arte diferente.
La exposición se centro en la serie de paisajes inspirados en Yorkshire, su condado natal, con colores muy plásticos contornos que delimitan y remarcan las formas, además incluye colores que no corresponden a los objetos en los que se instalan pero lo hace de una forma muy natural, como si realmente un tronco deba ser morado o azul. Queda claro la influencia de los impresionistas, sobre todo, de Monet por su serie de pinturas en las que toma el mismo motivo en diferentes momentos del día o del año. Esto mismo lo hace él con una serie de árboles. Se le considera como un artista pop, tuvo contacto, por primera vez, con Andy Warhol en 1961 cuando viajo a New York; aunque sus inicios estuvieron marcados por el expresionismo. No obstante, esta exposición recogió la obra que ha elaborado desde 2004, cerca de 190 trabajos. Ofrece una visión única del universo y a través de diferentes técnicas nos muestra su relación emocional con el paisaje de su juventud.
The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011 (twenty eleven)
Óleo sobre 32 lienzos
365,8 x 975 cm; (91,4 x 121,9 cm, cada uno); parte de una obra de 52 piezas
En su proceso creativo incluye acuarelas, acrílicos, también realiza escenografías y fotografías. Pero lo que realmente me interesa y abre un debate muy interesante son sus últimas pinturas, bueno, más bien creaciones con el iPad. Como os he comentado en su proceso artístico ha introducido en muchas ocasiones nuevas tecnologías que no siempre son habituales en los artistas. En sus fotografías usa la cámara Polaroid pero también se vale del fax, el iPhone y, desde hace, poco el iPad y la tecnología DVR de alta definición. Entonces, ¿Estamos antes los modernos impresionistas? ¿Serían entonces tecnoimpresionistas o digimpresionistas? Es evidente que este arte digital cambia la manera de plasmar nuestra realidad; de este modo, con los términos antes planteados incluyo a todos aquellos creadores que salen con sus tablets, smartphones y demás tecnología portátil para captar la vida cotidiana de la sociedad actual o, como en este caso, paisajes. Pero no sólo un artista consagrado como David Hockney se vale de esta tecnología son muchos los que diariamente se sirven de estas mismas herramientas para crear arte, aunque ha sido este pintor quien exponiendo estas obras en un museo consigue dotarlas de un carácter único y ayuda a consagrar estos mecanismos en el mundo del arte.
The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011 (twenty eleven) − 2 January
Dibujo creado con iPad e impreso sobre papel
144,1 x 108 cm
Como lo hicieran Monet o alguno de sus coetáneos con sus tubos de estaño y sus caballetes portátiles el iPad permite tener un cuaderno donde coger las notas para pintar pero, como el mismo Hockney admite, con mucha más rapidez por lo que registra mejor los cambios de luz y las condiciones atmosféricas, objetivo final de sus antecesores. Utiliza la aplicación Brushes para trabajar del natural.
The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011
Dibujo creado con iPad e impreso sobre papel
Los grandes dibujos del Valle Yosemite en California, realizados con el iPad, los cuales se decidieron exponer en el último momento, para él son una exploración del concepto de paisaje "sublime" reflejando así las ideas del político y filósofo del S.XVIII Edmund Burke que posteriormente Kant en Crítica del Juicio (1790) desarrolla llegando a la conclusión de que la belleza corresponde a la forma que tiene un objeto pero lo sublime se caracteriza por la ausencia de límites.
Este verano de la mano del museo Thyssen tuvimos el honor de poder ver la obra del pintor americano Edward Hopper, un creador de obras suspendidas en el tiempo que inspiraron innumerables escenarios de películas. Uno de los grandes directores de cine que se vio influenciado por sus lienzos fue Hitchock. Queda claro en "La
venta indiscreta" ya que no se puede entender sin el arte de Edward Hopper. Este
artista tuvo e incluso a día de hoy tiene, mucha
influencia a la hora de plantear una escenografía cinematográfica.
Edward
Hopper (Nyack, 1882-Nueva Yok, 1967) fue un pintor estadounidense célebre, sobre todo, por sus retratos de la vida estadounidense
contemporánea. Tiene un estilo con un perfil definido y muy claro, como sucede con otros pintores como Matisse o Mondrian. En su caso,
estamos ante un pintor que sintetiza la vida americana desde los años
20. Hopper consigue que admitamos sus visiones subjetivas de la
realidad dejando de la lado todo lo accesorio, lo superfluo y los
detalles. El mismo llegó a decir: “El arte importante es la
expresión exterior de la vida interior del artista, y esta vida
interior tendrá como resultado su visión personal del mundo”
Crea
obras en las que parece que se detiene el tiempo y en ese momento de pausa nos invita a la reflexión sobre el mundo que nos rodea. Este artista, pintaba lo cotidiano y consiguió condensar una escena en una imagen, pero no elige un instante sino el
resumen de la secuencia, plasma de forma pictórica la síntesis de
un relato, por este motivo es un pintor actual y muy cinematográfico.
Sus cuadros, en definitiva, reflejan los instantes previos a una acción.
Son
muchos los cineastas que admiran su obra como, Wim Wenders, director
alemán que llegó a declarar: “Las pinturas de Hopper siempre
marcan el principio de una historia. En todas las gasolineras que
pintó esperas que un coche llegue en cualquier momento con alguien
sentado al volante con una herida de bala en el estómago. Así es
como suelen empezar las películas americanas”. Y así lo demuestra alguno de los homenajes explícitos que realiza en sus películas como El
final de la violencia o en el tono de París
Texas, por la que ganó en 1984 el premio
BAFTA y la palma de oro.
Otro de los que se inspiraron con su obra fue Elia Kazan. Este director americano de origen
griego, ganador de varios Oscar y Globos de oro como mejor director, llego a reconocer su admiración hacia el pintor.
Pero fue Alfred
Hitchcock el que supo ver como nadie el suspense en sus arquitecturas
solitarias, y solo tuvo que añadirle intensidad dramática y el
relato de una acción adicional con personajes: el arranque de
Psicosis es un
cuadro de Hopper, y la historia de La ventana
indiscreta se puede entender como el
desarrollo de lo que propone en otros.
Estudió
en la New York School of Art con William Merrit Chase y Robert Henri.
Realizó varios viajes a Europa, y desde muy pronto se interesó por
la cultura y el arte europeos, con varios viajes a París en 1906,
1909 y 1910, mostrando un especial interés por la obra de Edgar
Degas y de Édouard Manet. En uno de sus viajes a París prolongó su
viaje yendo a Madrid, para ver el Museo del Prado, y a Toledo. Hopper
quedó sorprendido por el libre y distraído bullicio de las calles
parisinas, tan distinto al ajetreo que siente en Nueva York, y quedó
fascinado por la pintura del cambio de siglo, y por el clima que
transmiten los poetas simbolistas. Dos mundos que no olvido.
Desde
1910 residió de forma permanente en Nueva York, en su casa de
Washington Square, que sólo abandonaba durante sus estancias
veraniegas en Nueva Inglaterra, desde 1930 siempre en Cape Cod, donde
se construyó una casa. En 1924 se casó con Jo Nivinson, quien no
sólo posó para él en numerosas ocasiones, sino que además elaboró
durante toda su vida un detallado registro de su obra.
Su
producción artística es relativamente escasa, ya que fue un pintor
de ejecución lenta y pausada. En un primer momento se relacionó con
la denominada American Scene, siendo uno de los miembros Robert
Henri, maestro de Hopper, un grupo heterogéneo de artistas que
compartían un mismo interés por los temas propios de América, sin
referentes, pero pronto Hopper desarrolló su personal estilo
pictórico. Su carácter taciturno y sus formas austeras, tuvieron un
fuerte reflejo en su obra, que se caracteriza en su conjunto por la
simplificada representación de la realidad y por la perfecta
captación de la soledad del hombre contemporáneo. A través de su
pintura nos acercamos a la América de la Gran Depresión que para
él simbolizaba la crisis de la vida moderna. El
tratamiento cinematográfico de las escenas y el personal empleo de
la luz son los principales elementos diferenciadores de su pintura.
Aunque pintó algunos paisajes y escenas al aire libre, la mayoría
de sus temas pictóricos representan lugares públicos, como bares,
moteles, hoteles, estaciones, trenes, todos ellos prácticamente
vacíos para subrayar la soledad del personaje representado. Lugares
de encuentro. Lo hace en un momento en el que el cine se sirve de una
iconografía similar para explicar sus historias. Por otra parte,
Hopper acentúa el efecto dramático a través de los fuertes
contrastes de luces y sombras.
Este
artista tiene un estilo propio a la hora de pintar, cálido, próximo,
sensual y sobrio. Todo lo que aparece en la imagen se autojustifica, insistiendo en el color y en la dirección de la luz. Plasma su
visión del mundo, de un entorno que observa y conoce.
Dos ejemplos
clave dentro de su estilo son: el sentido del espacio y el erotismo. Hopper define el espacio
de un modo preciso delimitando las formas por la incidencia de la luz
sobre la arquitectura. Además juega con los cambios de color y con
una percepción de la luz inicialmente impresionista, acentuando los tonos y rebajando los colores; Se sirve de
perspectivas en fuga, de composiciones muy cuidadas, estables.
Justifica visualmente lo que vemos pero, de inmediato, nos oculta
parte de la escena y hace dialogar realidad con misterio. Lo hace al
tiempo que introduce cierta confusión al abrir grandes ventanales,
una puerta... entre exterior y interior. De eso modo, convierte al
espectador en un voyeur de esa realidad. Solo le queda completar lo
visto, ponerle movimiento y diálogos. Recordando a lo que se hacía en otros estilos como el barroco y a otros artistas que nos invitan a presenciar la intimidad de un personaje; personaje que en muchas ocasiones son ajenos a nuestra presencia pero que en otras nos miran y llegan a desafiar.
La maja desnuda, goya. S.XVIII
Almuerzo sobre la hierba, Manet (1863)
Olimpia, Manet (1863)
Serie de desnudos de Edgar Degas
El
erotismo en sus imágenes se da en la forma en que se contemplan las
figuras dentro de sus obras. En "Hotel
junto al ferrocarril" (1952), una mujer
lee ajena al interés que siente su acompañante por los raíles del tren.
El interior de la habitación es duro, el exterior aparece como un
escenario abocado a la acción. Josephine, la esposa del artista,
tomaba notas sobre sus cuadros y sugiere que a la mujer “más le
valdría vigilar a su marido y a las vías del tren”
En
el primer boceto del lienzo "Oficina de
noche", el aspecto de la oficina era
más conservador y el hombre, en apariencia mayor, observa a la
mujer, que se sabe esta siendo mirada; en el segundo estudio, el
hombre, parece centrado en su trabajo y la mujer le mira. Finalmente,
en el cuadro, el tratamiento del cuerpo de la mujer es más sensual,
resaltado por la luz que entra desde un ventanal que no vemos, abre
el espacio, aparecen papeles sobre el sillón y en el suelo… En
cuadros tardíos, el erotismo está en primer término, casi siempre
con una mujer avanzando frente a la luz.
Entre los
artistas españoles que estan bajo el influjo de Hopper, están Ángel
Mateo Charris y Gonzalo Sicre, que viajaron buscando sus escenarios,
viaje que recrearon en una exposición y un libro admirables, Cape
Cod Cabo de Palos. También está muy presente en los cuadros
pintados en Vermont por Félix de la Concha, o en pinturas de uno de
nuestros pintores más secretos, Alfredo Alcaín. Lejos de España,
es David Claerbout el artista que, desde otras técnicas e intereses,
mejor ha entendido el legado de Hopper.
HOPPER
Y HITCHCOCK
No
solo se ve la influencia de este artista en este director, hay otros,
como ya se ha comentado anteriormente, que toman sus motivos como
fuente de inspiración para escenografiar una secuencia. No obstante
es quizá en "La ventana indiscreta"
(1954), en donde se puede ver como su
escenarios son, en realidad, una secuencia de las obras de Hopper. Sinceramente es una de mis películas favoritas y creo que merece la pena verla. Por si no la habéis visto o ya la habéis visto pero no os acordáis os dejo un vídeo con los primeros minutos del filme. Una pequeño recordatorio pertenece a la Paramount Pictures, fue dirigida por Alfred
Hitchcock. Actualmente si os animáis a ir al cine veréis su biografía protagonizada por Anthony Hopkins y a Helen Mirren en el papel de su esposa. Volviendo a "Laventana indiscreta" (Rear window), fue protagonizada por James Stewart, Grace Kelly, Wendell
Corey, Raymond Burr y Thelma Ritter y esta basada en el cuento It had to
be murder (1942) de Cornell George Hopley-Woolrich más conocido por
William Irish. El
argumento se centra en como el fotógrafo L. B. Jefferies (James
Stewart) tiene la pierna enyesada debido a un accidente y empieza a
sospechar del comportamiento de su vecino de enfrente (Raymond Burr),
al cual espía mediante unos binoculares y una cámara de fotos.
Al
igual que Hitchcock, Hopper no es sólo un productor de imágenes, es
un narrador. "En la madrugada de
domingo" (1930) el narrador se sitúa
en el nivel de la calle, mirando objetivamente en un edificio de
apartamentos de bajo alquiler. A primera vista, la ventanas no
revelan mucho del interior. Pero después de observar con más
detenimiento, se sugiere como los habitantes están durmiendo o la
presencia de una mujer por las cortinas de encaje que nos muestra. En
cualquier caso, es evidente que hay vidas reales e individuales que
van detrás de las cortinas y las paredes. Los escaparates son de
color oscuro, tal y como era de esperar en un domingo por la mañana.
La ventana indiscreta y las obras de Hopper muestran su preocupación
por el aislamiento. Tanto la obra de Hopper como el filme de
Hitchcock exponen a unos ocupantes de apartamentos aislados. Como vemos en el vídeo.
Mediante
un plano subjetivo, Jefferies observa una batería de ventanas,
habiendo detrás de cada una de ellas una historia única. "Casas
de apartamentos" (1923) es otra clara
influencia de Hopper sobre este director, con una mirada de voyeur
hace que seamos testigos de la intimidad de un hogar.
También
son una fuente de inspiración para la elaboración de esta pelicula
la producción centrada en la noche, como "Noche
de ventanas" (1928). Obra con un fuerte
erotismo, puesto que ella desconoce que esta siendo observada y por
su postura. Esta escena la toma para captar el interior del hogar
Neoyorkino de una de las vecinas del fotógrafo, tanto su postura
como el color de su vestimenta.
El
encuadre, la iluminación, los colores y el tema muchas de las
escenas son asombrosamente similares al estilo Hopper.
En
esta escena," Habitación en Nueva York"
(1932) la esposa, esta vestida de noche mira
con indiferencia el piano mientras su marido lee casa. Es una escena
de soledad y donde se muetsra el hastío. Se aprecia un gran abismo
entre la pareja. Esta obra guarda relación, en la película, con la
relación entre Lars Thorwald (Raymond Burr) y su esposa postrada en
cama. En este caso la idea de soledad dentro de la pareja se refuerza
con la separación física de ambos en diferentes ventanas.
Por
último, Victor Stoichita historiador y crítico de arte, nacido en
Bucarest en 1949 y actualmente catedrático de Historia del Arte
Moderno y Contemporáneo en la Universidad de Friburgo, en Suiza, ha
realizado un un estudio comparado de los motivos pictóricos del
film, a la vez que radiografía la gestualidad de los personajes que
aparecen en él, en relación a su entorno. Así, Stoichita señalaba
que el mismo Hitchcock, que empezó a dirigir en el período mudo,
defendía ese cine como el paradigma del lenguaje cinematográfico.
Gestualidad pura. En su análisis gestual ha contemplado que el gesto
se transmite de un personaje a otro, o que es coincidente en los dos
y en el tiempo. En el film de Hitchcock, el gesto idéntico de coger
una copa de vidrio por parte de Jeff (James Stewart) y Miss
Lonelyhearts (Judith Evelyn) es un detalle importante en la trama.
En el
aspecto estético del film, revisó los espacios a partir de los
objetos más representativos de la puesta en escena: las persianas,
que dependiendo de si están subidas o bajadas dejan pasar más o
menos luz al interior, comulgan con la pintura de Hopper. Como ya se
ha comentado, hace especial hincapié a la iluminación nocturna que en
el interior de una habitación permite intuir los contornos. Por
último, Stoichita considera que el origen de La ventana indiscreta
(Rare Window, 1954) esta en las intrigas visuales de las historias de
Arthur Conan Doyle, sobresaliendo, por supuesto, el personaje de
Sherlock Holmes, al que, por su pluralidad de acciones, relacionaba
con el Jeff protagonista de la cinta.
En
conclusión, se ve una clara relación con la obra de Edward Hopper
no solo en las diferentes secuencias de la película sino también en
el concepto de soledad y aislamiento de los personajes, colocandonos
como observadores de su privacidad. La comunidad de vecinos, así
como la trama del filme le sirve para transmitirnos una idea más
profunda, y nos narra la complejidad de las parejas, la felicidad, y
el deseo de que esta perdure a lo largo del tiempo. Como por la
rutina, se deterioran las cosas, llegando, en este caso, a vivir una
soledad en pareja. También el miedo del protagonista a adquirir este
compromiso por la posible incapacidad de perdurar algo en el tiempo.
Todo ello, lo plantea dentro de unas escenas intimistas a las que
accedemos por medio de grandes ventanales. No oimos lo que pasa por
lo que hace hincapié en la gestualidad de los personajes para
transmitirnos sus ideas. Muestra un escaparate de las obras del
artista y las dota de movimiento.
Quiero poner una nota amable sobre Edward Hopper, aparece uno de sus lienzos en la serie de los Simpson, en el capitulo titulado "Homer contra la prohibición". Os dejo varias imágenes graciosas sobre este tema.
El otro día mantuve un intenso debate sobre ARCO. Yo personalmente no he tenido el placer de poder asistir pero se que ese día llegara, aunque soy consciente de que seguramente no pueda adquirir ninguna de las obras que nos presentan...pero bueno nunca se sabe. Aún así yo soy de las que anima a ir, ver y aprender. A lo que iba, mi compañera asistió por primera vez, y todas las ilusiones que tenía se desvanecieron en un fin de semana. Al parecer como casi todo hoy en día se ha masificado por lo que ella estaba escandalizada pero, sobre todo, se escandalizo por la actitud de alguno de los asistentes. La verdad es que tenía razón en alguna de las cosas que me planteo. Antes de nada dejar claro que yo soy la máxima defensora en la divulgación del arte y la cultura a un gran público. Considero que la supervivencia de la creatividad va unida a la concienciación social, como se ha logrado en otros ámbitos. Cierto es que el arte contemporáneo es el gran incomprendido del gran público aunque precisamente por ser más actual no debería ser así. Esto en mi opinión, quizá venga dado por el paso del tiempo que nos ayuda a la reflexión y comprensión de nuevos lenguajes. Aún así es cierto, y no quito la razón a nadie, cuando se dice que en muchas ocasiones tan solo viene dado por un gusto estético establecido como "algo bonito" que podemos colgar en nuestro salón o como en mi caso en mi portal, estoy convencida que todos habéis escuchado esa frase de "me gusta" y lo de "es que no me gusta" o " eso lo puedo hacer yo", también esta la famosa frase de " no sabe pintar" y así infinidad de clichés. Aún con todo y precisamente para que desaparezcan esas condenas verbales creo más que nunca en la necesidad de la divulgación pero no en la que se centra en publicitar un acto o exposición sino en la que explica, en la que nos ayuda a comprender lo que vemos y nos haga conscientes de lo necesario de la conservación de nuestro patrimonio sin necesidad que una ley lo regule. Esto seguramente sea otro debate aunque esta claro que va unido de la mano. En cuanto a la actitud de los asistentes a la feria ARCO, en este caso, cierto es que no es un patio de recreo dónde los niños corran y la madre vaya detrás para darles la merienda. En eso mi amiga tiene toda la razón es necesario tener un respeto a los artistas y al lugar en dónde nos encontramos, porque no se nos ocurría ponernos a gritar en un museo o ponernos a comer en una iglesia. En mi opinión, no solo es una falta de respeto sino que da la razón a aquellos elitistas que consideran que el arte es algo exclusivo de algunos pocos y que decir si hablamos de la posibilidad de adquirir una obra de arte! Esto último, para mi, no esta reñido con el hecho de saber apreciar y valorar una creación más allá de lo de "me gusta". Podríamos entrar en otro intenso debate en torno a lo que es arte o que no es arte, pero en este caso considero que es algo irrelevante. Animo a ir a museos, galerías, ferias...animo a preguntar sin miedo, porque nadie nace sabiendo pero del mismo modo animo a la mesura. La cultura es un bien universal, la creatividad, en el más amplio sentido de la palabra, es una capacidad inigualable, demuestra uno de las mejores rasgos que tenemos los seres humanos y por eso creo que merece que la mimemos un poco. ¿ Qué sería de la cultura si no la cuidásemos? Otro debate sería el costo de la cultura hoy día pero quizá eso no dependa de nosotros ahora bien ¿Qué creéis que podemos hacer nosotros? Bueno como ya os he dicho yo no pude asistir así que os pregunto ¿ Qué visteis los que pudisteis ir? ¿ Qué opináis sobre lo de las actitudes que tenemos en los museos, galerías, ferias...? Como siempre os dejo un enlace para que podáis ver lo que el ifema a hecho este año. http://www.ifema.es/ferias/arco/default.html
Presentación de los fondos del Museo Guggenheim Bilbao que reflexionan en torno a la ocupación del espacio como narrativas de una historia ya existente o apunto de ser creada por el espectador.
Presentación de la colección permanente de dos importantes obras de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao, firmadas por Cy Twombly y Georg Baselitz.
Impresionismo y aire libre. De Corot a Van Gogh / Impresionistas y postimpresionistas. El nacimiento del arte moderno. Obras maestras del Musée d'Orsay. Museo Thyssen Bornemisza. Paseo del Prado, 8. Madrid. Hasta el 12 de mayo / Fundación Mapfre. Paseo de Recoletos, 23. Madrid. Hasta el 5 de mayo. http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/32287/Inmediatez_moderna
La Fundación Albertina de Viena presenta otra de las exposiciones importantes de la temporada dedicada a la figura de Max Ernst. En junio podrá verse en la Fundación Beyeler de Basilea, que coproduce el proyecto.
En un principio mi atención sobre este artista se centraba en las grandes obras que salpican diferentes lugares del mundo transformando nuestra vida diaria en un cuento en donde nada es lo que parece. Tras la conferencia, más bien charla, que dio en el museo mi impresión cambio. Pese a su origen sueco desde los seis años vivió en Estados Unidos, en la ciudad de Chicago. Es curioso ver como poco a poco recordaba aquellos años de como se formo, de su primera exposición colectiva en el Club St.Elmo en 1953.Pero es cuando se instala en New York cuando más se detiene en narrar su experiencia.
Fue considerado un artista realista aunque en realidad es englobado dentro del grupo de pop art. De hecho, es uno de los artistas del pop que tiene unos planteamientos más radicales. El pop arte es una tendencia que se gestiono a mediados del S.XX en Londre y New York. Creo que es importante mencionar la importancia de la cultura americana en este movimiento, ya que es la que marca la pauta pero más aún es entender que fueron los británicos quienes fueron los pioneros. Fue por aquel entonces cuando se creo el grupo Independent group que organizo dos exposiciones. Lo importante de estas dos muestras de arte fue la mezcla de lo que se considera como alta y baja cultura reunidas en las fotografías expuestas sin orden cronológico. Tras la segunda guerra mundial y con una momento de prosperidad se cristaliza la idea de Felicidad igual a Consumo, y es la publicidad la que nos envía constantemente este mensaje. Se creo entonces una sociedad de consumo acompñada de medios de comunicación de masas. Oldenburg por su parte toma esta idea y la acompaña de la desmesura, lo espectacular de las manifestaciones de la cultura popular norteamericana. Por este motivo sus obras parecen que nos venden un producto un ideal. Para ello se vale de diferentes materiales, la mayoría se produjo en vinilo. Como el mismo narra era difícil trabajar con este material pero, en mi opinión, continuo usandolo por su maleabilidad y por su bajo costo, lo que le permitía poder realizar esas obras en gran formato. En este caso pudimos ver sus obras blandas de objetos cotidianos cambiando su función y su naturaleza. También vemos su ratón que repite en diferente tamaños y lugares y su serie de reproducción de armas, o lo que se parece a un arma. Con sus obras cambia nuestra percepción de los objetos de la realidad que vivimos diariamente.
Floor Cake, 1962
Lienzo relleno de gomaespuma y cajas de cartón, pintado con pintura de polímero sintético
1,48 x 2,9 x 1,48 m Cortesía MoMa, Nueva York; Donación def Philip Johnson, 1975
Para muchos un artista de segunda fila. Puede que sea cierto eso que dicen pero la verdad es que merece la pena ir a verlo. A mi me resultan muy atractivas sus pinturas por la sensación que me generan. Es importatne resaltar como este artista expresionista murió joven, con 18 años enfermo de la gripe española después de que su esposa embarazada falleciese. Pese a que se le incluye dentro del expresionismo austriaco es un artista difícil de encasillar por su compleja personalidad visible en todas sus obras. Este artista nació en 1890 en Tulln, en la baja Austria, en el seno de una familia burguesa que no acepto su vocación artística. Pese a ello, desde que era pequeño Schiele dibujo con profusión. Uno de sus primeros promotores que le enseño diversas técnicas artísticas fue el pintor Max Kahrer. Sus comienzos se encuentran dentro del modernismo de la Seccesion Vienesa con Gustav Klimt. Klimt le apoyo y le aconsejo que estudiase en la Academia de Bellas Artes de Viena pero Schiele la abandonó por considerarla demasiado rígida.
Casas antiguas de Krumau, 1914
Colores opacos y lápiz, sobre papel japonés
32,5 x 48,5 cm
En su obra no hay fondos lo que hace que nos centremos en lo que a él le interesaba, la figura humana. Resalta el predominio de la línea frente al uso del color que se puede ver en coetáneos suyos del expresionismo alemán como Kandinsky. Sobre todo hizo retratos, muestra de ello la reciente exposición del Guggenheim Bilbao, aunque también realizó paisajes localizados en Kruman, actual Republica Checa.
Desnudo femenino yacente con las piernas abiertas, 1914
Lápiz y colores opacos, sobre papel japonés
31,4 x 48,2 cm
Impacta, por lo menos a mi, su temática sexual, según el intentaba mostrar la soledad del ser humano a través del desnudo. Por este motivo en 1912 fue acusado de abuso de menores por lo que llego a ingresar en prisión. Esto a su vez propicio la critica a la sociedad vienesa por parte del artista calificandola de hostil o hipócrita.
Pareja sentada, 1915
Acuarela, lápiz y sello, montado sobre cartón
51,8 x 41 cm
Las figuras que nos muestra son y están angustiadas, se nos presentan demacrados con largas extremidades. A mi me resultan extrañas llegando al punto de poder ser desagradables a la vista. Muestran rostros ajenos a los que le rodean desafiantes y a la vez ausentes. Lo que es cierto que Schiele plasma sus propios miedos o los rasgos de una personalidad un tanto atormentada, nos invita a participar de su tormentosa existencia. Lo importante no es lo que muestra con sus cuerpos desnudos con sus miradas penetrantes, sino lo que nos se ve pero si transmite. Cuando te sitúas frente a su obra lo primero es el impacto de sus desnudos o de sus posturas pero una vez pasa esa primera sensación llega a nosotros mucho más.
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